淺談社群時代藝術工作者的形象塑造與商業藝術象徵交換之影響

跟從事藝術創作的朋友艾瑞克在閒聊一個話題：藝術工作者在面對目前社群媒體型態，形象的展現是否會影響藝術品被收藏家收購的意願？

其實整個藝術市場是一個「象徵交換」，藝術工作者透過創作的作品，將自我的意識、美學、思想等概念透過作品的符碼、符號來呈現，收藏家因自身的主觀認同與喜愛、或主觀的特別因素，以金錢、有價商品或物質與藝術工作者做交換。這就是最基礎與核心的藝術商業市場輪廓。當然現代的藝術工作者要吸引藏家收藏自己的作品，已不如上個世紀的藝術工作者簡單，尤其是進入第三次工業革命的現代，藝術工作者不在僅是將畫作畫好、或是展現獨一無二的技法、或是創新一個新的藝術理論或想法那樣簡單，在網路社群的時代藝術工作者必須對外呈現多面向自我，以商業模式中尋找與自身最密切的「目標族群」才能夠吸引收藏家的目光，最終達到「象徵交換」的目的。

我提出以下幾點供朋友參考，或許不定盡然，但是以我自身的經驗而言，以下我自身所經歷的觀點，影響我在面對商業藝術市場上被關注面向與角度。藝術工作者在面對收藏家的自我呈現上，有以下三個面向需要「表現」給收藏家認同的，分別是：

1. 技術面向：不論平面繪畫類或立體雕塑類、或新藝術的電光影片創作類等藝術創作，在「技巧」、「觀點」上都必須有獨一無二的技巧，我常說：「藝術創作沒有特別，只要能夠將作品上作者名字蓋住，找路人隨便問，路人都能很輕易答出作者的名字，那你就贏了。」這表示作者在作品符號上充滿「象徵性」與「標誌性」，其實這個觀念通用在各個產業，另外，在創作作品的論述上也必須有其特點與理論脈絡可循，即使創作特殊不能有理論為架構基礎，那麼這樣的創作是無法可長可久，失去理論的支撐也很難被傳頌再三。因此在技巧面向上，它是藝術工作的核心，但在整體面而言「技術」也不過是進入藝術商業市場的基本敲門磚而已。
2. 形象面向：這一個面向包括藝術工作者的「外在形象」與「內在形象」。外在形象包括髮型（長短髮）、鬍子（蓄鬍與否、蓄鬍樣式）、衣著打扮（唐風、西裝、Ｔ恤、內衣）、乾淨度、代步工具、飾品配件等等，面對外人所要呈現給人的感覺與印象；內在形象上則是包含談吐、說話音調與速度、說話感受（嚴肅或幽默）、臨場反應、禮貌度等等。
3. 公關媒體面向：在網路社群的時代，除了以上「技術」與「形象」二個面向外，還有一個重要的部分也代表自己對外與社會連結的關係，那就是「自媒體」。在以前非網路世代藝術工作者想要被媒體報導是十分困難的，除非有國際得獎或是有相關媒體人脈的促成，否則，要在媒體露出是一件不容易的事。現在，每個人或多或少都有1~Ｎ個屬於自己或自控的社群帳號，臉書、IG、部落格、YouTube、Line、微博、微信...等等。不論你對外互動平台為何，或是在平台上呈現的是照片或是影片，都是個人希望能夠呈現給他人了解自我的那一面像，換句話說，意味著在這些自媒體上的照片、文字、影音都是經過設計、美化、編排最後所呈現的結果。當收藏家對藝術工作者不了解的情況下，這些社群平台就是最好認識藝術工作者的方式與管道，這個面向的重要性甚至超越前面所提到的「形象」，畢竟要實際人與人面對面才會有「形象」上的感受，但是其網路平台已經超越空間與時間的限制，隨時隨地都可以搜尋藝術工作者的人、事、物。這部分的經營是現代藝術工作者不可忽略的要務。

台灣早期的藝術工作者都是以師承社團、比賽獲獎、展覽售畫、補習教學等方式換取收入薪資與知名度，這方式行之有年，對加入藝術工作領域的後繼者也都按循此一模式進入業界，基本上呈現半封閉式的狀態，除了少數素人藝術工作者偶爾曇花一現，所以在以前的藝術工作者只要管理好自身的「技術」與「形象」即可；甚至只要有師承背景、社團支持加上技巧卓越，即使「形象」邋遢懶散一點都不重要。但在社群網絡時代的興起之後，有更多人對藝術品產生喜好與收藏意願，進而出現粉絲與追隨者的追蹤，對藝術工作者的期許與期待也更高，當然收藏家在藝術作品的收藏意願上也會有所影響，畢竟社群時代已經不像以前只有在展覽現場才能與藝術工作者互動，而是在社群媒體上能夠直接追蹤藝術工作者日常，或是直播對話、或是留言互動等方式。收藏家都能直接透過螢幕感受藝術工作者的反應，進而影響收藏意願。

藝術工作者在自我技術層次提升之餘，更要對自我形象不論實體世界的形象或虛擬世界的形象，在自我定位及設定上都要做好事前的規劃。

淺談東西方速寫風格的差異

「速寫」在台灣美術教學的領域中，一直以來都是把它放在「素描課」的其中一環，這堂課的訓練過程都是希望學生在戶外已十分短暫的時間內，完成眼前所看到的主題素描，但是這樣的訓練時間往往都只一、二堂課，實在很難讓學生練習到真正的強記核心。也因此通常不會被學生所認同。自從社群媒體的興盛帶起世界各城市一場速寫推廣運動，今年來以「速寫」為核心的主題課程或同好社團蓬勃興起，標榜簡單的工具、多樣化的表現方式、以及以短時間的現場繪畫等新的定義，逐漸取代以往水彩、油畫的「戶外寫生」美學活動與市場。也因為多元化不拘泥於特定媒材的繪畫方式，進而開展許多初學者躍躍欲試的嘗試心理，各式私人繪畫教室、社區大學、各級美術教育學校都紛紛開設相關教學課程，讓原本侷限在特定媒材、小眾領域的美術繪畫突破禁錮已久的框架，引起更多有興趣的民眾參與。

前面提到「速寫」是一種多元化、不限媒材的創作方式。換句話說，創作者可以在速寫的作品中置入各式各樣自我想表現的方法，可以繪畫、可以塗色（或局部塗色）、可以使用不同媒材（水彩、油畫、蠟筆、簽字筆....等）、可以加入文字、可以在作品上剪貼.......等等。只要作者想的到的表現方式都可以加入創作過程中。

但是在筆者近些年與國外速寫創作者到交流下，觀察到許多對東西方在速寫創作上的明顯差異，讓筆者簡述淺談，以下為筆者個人觀察：

一、亞洲速寫畫家的風格：範圍以亞洲東部為準，大概是日本、韓國、中國、台灣與東南亞諸國。亞洲東南亞這些多民族組成地區，除了泰國、印尼、菲律賓等國家外，其他如新加坡、馬來西亞畫家多以華人為主體的畫家圈為加入「速寫」活動的主幹，長期都是有「畫會」組織在其背後應援號招，或許長期有一套中華文化的藝術框架，畫作多是以單幅畫作為主，一張畫即一作品，在最後的呈現表現方式中也都將速寫畫作裱褙，以展覽的方式作發表。當然在畫作的象徵交換方面也是直接銷售原作為主要方式，輔以其他畫冊等印刷物為獲利方式。

亞洲速寫畫作在表現方式上較為中規中矩，多數以「水彩」為媒材的表現方式，也較長使用單張水彩紙來做為表現方式，在現場看到的創作過程有些十分接近水彩畫的「寫生」模式，出現畫架、水袋等戶外寫生設備，這樣的方式相較於在移動中也較為不便。畫家在創作的過程中，多數以畫的「寫實度」為評判優劣標準，較少出現隨意自在的方格，更遑論加入剪貼、文字、多複合媒材的使用較為可惜。以至於速寫畫作的豐富性過於單一。當然也有少數畫家引入如「枯枝筆」，並將「水墨構圖」概念引入速寫創作並著論教學，為少數異軍突起的亮點。

二、西方速寫畫家：由於筆者多與歐州、澳洲等地的西方畫家交流，故本文即以歐洲諸國為論述主軸。西方速寫畫家們的出身，除了本身即為藝術本科的畫家外，有許多本身就從事設計相關工作領域或教學為主，另外，筆者也碰過從事考古工作的畫家、以及從事潛水工作者；他們不以「寫實」為創作導向，反而以「實驗」、「玩」、「創意」為概念在做速寫創作，這些歐洲的速寫畫家們表現的方式多半以「書籍」的方式搭配簡單的工具做創作，有人甚至以二手書店內他人寫過的「舊明信片」為創作基礎，在其上作畫，是一種與「時間」共存的創作概念，也有人突破「空間」限制在海底下速寫魚群、在高山上創作，因為他們出發點以「實驗」與「玩」為主，所以也在作品中加入許多心情文字、紙幣票根、紀念章等物。也由於他們崇尚簡單工具，沒有畫架、畫板等傳統戶外寫生的累贅，進而創造更多突破「時間」與「空間」的速寫作品。

在畫作發表方面，歐洲速寫畫家由於創作方式以「速寫書」為核心，也因此在表現製作的形式上無法與亞洲畫家單張作品展出出售，也因此多半將畫作印製成印刷物，也就是「旅行書」的模式展現，也會將作品印成明信片、複製畫等物。較少看到以原作出售的方式做為銷售獲利的來源。

或許，也有人會說，「速寫」在本身藝術價值上就無法與傳統的水彩、油畫、水墨等相比擬，因此藏家在購買的意願上與收藏的價值上會多方思考，並且亞洲藏家比較傳統，都是站在「藝術價值」與「藏品未來」作為考量，「速寫」創作在主流藝術學校與普羅大眾的美學認同感上有其侷限性。其實這點筆者也是認同，但回到19世紀時期「印像派」當初也不過是「落選者的美展」，完全不被當時主流藝術學校或藝術家認可，熟知百年後卻成為美術史上不可抹滅的輝煌一頁。不論你認同西方自由、實驗的表現方式，或是比較喜歡東方中規中矩的畫作呈現，我相信「速寫」藝術在未來主流藝術教育上必有其不可忽視的地方。

關於「無色」的思考

綜觀世界各民族的藝術繪畫創作，甚少有單色或無色的創作。早在隋唐時期流行的「青碧山水」，使用大量的寶石礦物作為顏料，石青、石綠的重彩斑斕、泥金的金碧輝煌，將當時唐帝國的痺睨天下的氣勢，在繪畫創作上揮灑的淋漓盡致。直至北宋年間的王希孟「千里江山圖」直至鼎盛。或許是物極必反，中國繪畫逐漸走向內省的格局，畫訓云：「墨韻既足，設色可不設色亦可。」文人開始追求「論畫與形似，見與兒童鄰。」的意境。不論是「墨竹」、「紅墨竹」只要信筆捻來，像不像已經不重要，更遑論顏色的豐盛、精準。

東方繪畫的藝術創作者開始思考繪畫「寫實」的問題。尤其進入元代後，國已破之。「十儒九丐」的社會階級排序讓文人更加的壓抑，抑鬱不得志的心情我想大有人在，也因此更強文人們（讀書人）的創作。關漢卿的《感天動地竇娥冤》、羅貫中《三國演義》等文學巨作，從這裡就可以發現當時文人沒官可做，開始透過文學闡述抑鬱之情；繪畫藝術中「元四家」也開始以內心創作出動人畫作，但都以單純墨色為主，除了明初的王蒙有略出現色彩（例《具曲林屋》），其他三家多以單色（墨色）為主，甚至倪瓚畫作清淡高雅，更是「惜墨如金」。

老子《道德經》說：「五色令人目盲。」東方繪畫與西方繪畫最為相左之處，在於東方藝術開始追尋內在的自我，即使視覺感受到繽紛色彩影響，仍能以最純粹的視角去創作，「無色」不是畫面上的「無色」，而是內在心理的「無設」。從「形」的擺脫到「色」的空無；從構圖的「滿溢」到結構上的「留白」，都是一種由內而外的無為。追求以「氣韻」「品格」這樣虛無標準的繪畫意境，根本不討論「畫的像不像」、「準不準確」的問題。

清末名士陳衡恪曾說：「文人畫之要素：第一人品、第二學問、第三才情、第四思想。具此四者，乃能完善。蓋藝術之為物，以人感人，以精神相應者也。」（陳衡恪《中國文人盡之研究》）。東方繪畫評判標準完全沒有提到「技巧」的重要，其實回歸到內心對生命的領悟與盡心，或許比斑斕華麗的色彩更為重要吧。
＃文人畫 ＃東方繪畫

沒有傘的孩子，必須努力奔跑！

上週的商周主題封面讓我心有戚戚焉，封面寫著「大齡創意」。回想我大概也是42歲出來授課教速寫，也是一種個人創業，建立一套新的戶外教學模式（商業模式），改變了台灣許久不變的藝術教學市場。其實當時自己沒有太偉大的勇氣，只是想繼續當上班族看不見未來，加上工作壓力到焦慮症。

人家說「沒有傘的孩子，必須努力奔跑！」我開創的是一個新的模式，前面沒人可以抄襲模仿，後面沒有退路，面對逆境，唯一能做的只有轉化危機為轉機的心念與能力。創業過程的艱難無法細說，我只想感謝這一路遇到的貴人，我的學生、我的藏家以及我曾經在網路攻擊我的人⋯⋯。

自己選擇的路、跪著也要把它走完。
#旅行速寫
#大齡創業
#感謝所有陪伴我走過的學生們

認識「速寫工具」之一

坦白說，許多「速寫」的新手畫友一直都對「速寫」使用的工具存在很大的陌生感與疑惑。甚至對「速寫」與「水彩」所使用的工具項目容易混淆，身為一位速寫的資深畫友，有義務出來為大家釋疑一下，我就將我「旅行速寫」的第一堂課「工具」拿出來與大家分享一下。

一般在「速寫工具」的使用上大概只有三樣物件：線筆，水筆，水彩盒。每個人會依照個人需要和習慣攜帶。差異性在於不同品牌，水彩的大小就會有不同的樣子，沒有一定的要求，另外，也會因為每個人在作品的表現上有不同的想法，攜帶不同的工具。比如說，有人喜歡線條勾勒不上色，因此他所攜帶的工具當然會更加輕便簡單，所以工具的品項完全取決於個人想要如何表現自己的作品。

一張速寫作品「線條」是最重要的，因此，我先從「線筆」開始介紹，在線條的使用上就有各種不同的工具，我特別舉出目前國內外速寫社團中常見的幾種線條工具的優缺點分享一下：

1. 代針筆：此工具價格便宜，有各種規格大小可以選擇，缺點惟線條單一單色，粗細變化不大。

2. 鉛筆：取得方便，線條粗細變化很大，缺點是易複印磨損。

3.鋼筆（書法尖）：線條變化多元，可自行調整顏色，價格略高，需不定時填墨是它的缺憾之處。

4. 自來水毛筆：價格不貴，但軟性筆毛新手控制不易。

5. 枯枝筆：取之於自然，沒有費用的問題，線條優美是硬筆中唯一能畫出「飛白」線條的筆材，缺點是需同時攜帶墨罐使用。

以上的五種工具除了「枯枝筆」需自行製作外，（請見我另篇文章《師法自然，以枯枝為筆-簡談枯枝筆應用》基本上其他的筆材都可以在一般的美術社或鋼筆社可以購買的到。

另外，鋼筆的部份會有墨水暈染的問題，所以請在購買鋼筆墨水時要跟店家確認，墨水為防水性墨水，我都是使用「寫樂極黑」牌黑色墨水，回家後用過濾水稀釋，注意是「過濾水」，一般的自來水，開水，都會造成筆尖阻塞，若沒有過濾水可用超商購買「礦泉水」即可。過二天我再來分享「水筆」與「水彩」吧！

《師法自然，以枯枝為筆-簡談枯枝筆應用》 http://bbken2002.blogspot.tw/2015_0⋯⋯

《師法自然，以枯枝為筆III-關於用墨》

《師法自然，以枯枝為筆III-關於用墨》 作者：郭正宏
一直想寫一篇關於枯枝筆使用墨汁的經驗分享文，一直拖延到颱風天才有機會好好的靜下來繕寫。我在第一篇介紹枯枝筆的文章中有簡略介紹「墨罐」的製作，但是，很多人會有一個共同的疑問，究竟該使用什麼品牌的墨汁呢？

基本上關於枯枝筆繪畫時使用的墨汁並沒有特別的要求，台灣市面上一般看得到的「吳竹濃墨」、「雄獅墨汁」皆可；也有聽過畫友使用「極黑」鋼筆墨水。其實只要把握一個原則就是不論使用何種墨水（汁），一定要能夠有防（抗）水的功能，因為使用枯枝筆作畫時所畫出的線條如果未能防水，那渲染上色後必然會造成墨線的暈染，整張作品就會毀於一旦。因此，無論使用何種墨水（汁）請把握此一原則即可。

我目前使用的是馬來西亞的「月宮殿」墨水（汁），因為此品牌原料及製作的差異性，畫作在上色（水彩）後，黑色墨線較能顯色，原因是在於「月宮殿」墨水（汁）在製作原料有加入樹脂的成分，才能讓墨線在繪畫的過程中存在畫紙表面上，即是後來水彩顏料敷過也不至於墨色走味；而台灣的墨水（汁）多數使用「黑（松）煙」，墨線容易滲透入紙張下層，敷色後墨線的黑不易顯色，使得枯枝筆的虛實線條難以呈現，反而掩蓋掉那份枯枝筆獨有的線條墨趣十分可惜。唯一可惜的是台灣無法買到「月宮殿」品牌墨水（汁），只能托當地友人或出國時購買。當然，市售的墨水款式多樣，還有很多日本進口的墨水（汁），不過有的價格不菲，也無法一一買來試驗，就不再詳列細談了！在我今年7月個展中，我也使用淡墨線條與濃墨線條交替混合的創作，這樣的創作方法在配合上「隱沒透視」的技巧，更能讓視覺產生遠近輕重之感，會讓畫面出現深度、強化物體的立體感。但是因為要上二次線條，所費時間較長，戶外速寫我較少使用此一方法。

當然，我也嘗試讓線條出現色彩，一樣抓住前面所說的「防（抗）水」的原則，我使用SPECTRALITE防水的壓克力彩色墨水，但是當時購買時此款墨水美術社已經不進貨了，缺色很嚴重，加上剩下的色號顏色過艷麗，破壞我想要的那份線條的「孤傲」，因此我還是必須尋找其他品牌替代，後來改用了FW英國喬琴丙烯的彩色墨水才解決此一問題。至少FW品牌的色彩齊全，防（抗）水的效果也不差，價格也算親民，當然繪畫出來的線條又和墨線相比呈現另一種枯枝筆風味，有興趣的朋友可以試試。

所有的藝術創作中所使用的工具都是見仁見智，未必人人滿意、人人合用，大略簡述我在使用枯枝筆作畫時的墨水拙見經驗；或許還有更多繪畫同好，能在創作過程中發現更多的創作素材，讓枯枝筆繪畫過程更有趣、更有美感，這些都在等待我們一起去發掘。
（感謝張柏舟教授協助提供個人見解）

《師法自然，以枯枝為筆II-簡談枯枝筆用筆筆法》

《師法自然，以枯枝為筆II-簡談枯枝筆用筆筆法》  作者：郭正宏運用枯枝筆作畫已經有多年的時光，因為是一項新的繪畫筆材，在使用上也幾乎無跡可依循，僅能邊畫邊揣摩的方式在尋找枯枝筆的特性；另外也配合上原本國畫中的用筆勾勒的筆法從旁相輔相成，也終有所心得。概括而言，我將枯枝筆用筆方法歸納為『描』、『擦』、『拖』、『點』四種方法，以下概述之。1.『描』：既為單純的線描。將筆頭削尖沾墨做構圖的描繪，線條會因不同木材軟硬度、乾燥度、吸墨度及紙張的關係，產生不同的線條；因此會發現有的筆材在描繪線條實線的部份較為長，有的較短；也有的筆材因毛細現象佳延長吸墨性，在虛筆飛白的部份表現出色。2.『擦』：有的筆材因較枯老可以適用在『乾擦』的技巧。建議可找樟木或質地較粗老的枯枝，將枯枝筆頭削成鈍狀或扁平狀，沾墨後針對陰暗面或做粗糙質感的部份，來回乾擦飛白效果，累積多次後乾墨會在畫面上呈現不同層次的質感；此法在畫建築或磚石等物體上可製造不同於墨色的質感。3.『拖』：一般硬筆在繪畫過程中筆筆皆為實筆，除非筆內墨水已經乾涸，不然無法有虛筆線條的產生；枯枝筆與一般硬筆較為不同，枯枝筆的特性有墨竭後仍有殘墨在筆頭處，因此在實筆後會產生一段十分細長的飛白虛筆，由於虛筆不實，在物體的描繪上可用『拖』的方式在畫面上呈現層次感，讓原本空白無物的畫面以『虛筆』增加空間的錯落，又不會搶走實線描繪的框架。4.『點』：基本上『點』是一切造型的基礎，西方包浩斯學派闡述一切造型皆由『點、線、面』構成，而東方運用『點』的過成更是久遠，早在魏晉南北朝時代，王羲之在闡述『點』上就有『高峰墜石』，所以東方很久就在繪畫上使用，東方畫論有提到墨點『遠看成林，近成苔』這也是一種符號學抽象的概念。枯枝筆的『點』的應用在個人習慣與經驗，成鳥、成樹、成苔，皆可讓作品呈現不同的趣味。枯枝筆筆鋒線條不走巧，以『燥』、『拙』為美；燥即是『乾』，乾則靈活巧變；而『拙』則渾古無輕挑之病。『人無常態、水無常形』，繪畫本多技巧與運用；人人皆有自己的息氣章法，但『千筆萬筆，當知一筆之難』，在大家對於枯枝筆筆材有許多興趣及運用疑惑處，望以上經驗能為眾畫友於枯枝筆運用上增加趣味。筆墨本一體，後續會在墨彩應用做簡略分享。