淺談社群時代藝術工作者的形象塑造與商業藝術象徵交換之影響

跟從事藝術創作的朋友艾瑞克在閒聊一個話題：藝術工作者在面對目前社群媒體型態，形象的展現是否會影響藝術品被收藏家收購的意願？

其實整個藝術市場是一個「象徵交換」，藝術工作者透過創作的作品，將自我的意識、美學、思想等概念透過作品的符碼、符號來呈現，收藏家因自身的主觀認同與喜愛、或主觀的特別因素，以金錢、有價商品或物質與藝術工作者做交換。這就是最基礎與核心的藝術商業市場輪廓。當然現代的藝術工作者要吸引藏家收藏自己的作品，已不如上個世紀的藝術工作者簡單，尤其是進入第三次工業革命的現代，藝術工作者不在僅是將畫作畫好、或是展現獨一無二的技法、或是創新一個新的藝術理論或想法那樣簡單，在網路社群的時代藝術工作者必須對外呈現多面向自我，以商業模式中尋找與自身最密切的「目標族群」才能夠吸引收藏家的目光，最終達到「象徵交換」的目的。

我提出以下幾點供朋友參考，或許不定盡然，但是以我自身的經驗而言，以下我自身所經歷的觀點，影響我在面對商業藝術市場上被關注面向與角度。藝術工作者在面對收藏家的自我呈現上，有以下三個面向需要「表現」給收藏家認同的，分別是：

1. 技術面向：不論平面繪畫類或立體雕塑類、或新藝術的電光影片創作類等藝術創作，在「技巧」、「觀點」上都必須有獨一無二的技巧，我常說：「藝術創作沒有特別，只要能夠將作品上作者名字蓋住，找路人隨便問，路人都能很輕易答出作者的名字，那你就贏了。」這表示作者在作品符號上充滿「象徵性」與「標誌性」，其實這個觀念通用在各個產業，另外，在創作作品的論述上也必須有其特點與理論脈絡可循，即使創作特殊不能有理論為架構基礎，那麼這樣的創作是無法可長可久，失去理論的支撐也很難被傳頌再三。因此在技巧面向上，它是藝術工作的核心，但在整體面而言「技術」也不過是進入藝術商業市場的基本敲門磚而已。
2. 形象面向：這一個面向包括藝術工作者的「外在形象」與「內在形象」。外在形象包括髮型（長短髮）、鬍子（蓄鬍與否、蓄鬍樣式）、衣著打扮（唐風、西裝、Ｔ恤、內衣）、乾淨度、代步工具、飾品配件等等，面對外人所要呈現給人的感覺與印象；內在形象上則是包含談吐、說話音調與速度、說話感受（嚴肅或幽默）、臨場反應、禮貌度等等。
3. 公關媒體面向：在網路社群的時代，除了以上「技術」與「形象」二個面向外，還有一個重要的部分也代表自己對外與社會連結的關係，那就是「自媒體」。在以前非網路世代藝術工作者想要被媒體報導是十分困難的，除非有國際得獎或是有相關媒體人脈的促成，否則，要在媒體露出是一件不容易的事。現在，每個人或多或少都有1~Ｎ個屬於自己或自控的社群帳號，臉書、IG、部落格、YouTube、Line、微博、微信...等等。不論你對外互動平台為何，或是在平台上呈現的是照片或是影片，都是個人希望能夠呈現給他人了解自我的那一面像，換句話說，意味著在這些自媒體上的照片、文字、影音都是經過設計、美化、編排最後所呈現的結果。當收藏家對藝術工作者不了解的情況下，這些社群平台就是最好認識藝術工作者的方式與管道，這個面向的重要性甚至超越前面所提到的「形象」，畢竟要實際人與人面對面才會有「形象」上的感受，但是其網路平台已經超越空間與時間的限制，隨時隨地都可以搜尋藝術工作者的人、事、物。這部分的經營是現代藝術工作者不可忽略的要務。

台灣早期的藝術工作者都是以師承社團、比賽獲獎、展覽售畫、補習教學等方式換取收入薪資與知名度，這方式行之有年，對加入藝術工作領域的後繼者也都按循此一模式進入業界，基本上呈現半封閉式的狀態，除了少數素人藝術工作者偶爾曇花一現，所以在以前的藝術工作者只要管理好自身的「技術」與「形象」即可；甚至只要有師承背景、社團支持加上技巧卓越，即使「形象」邋遢懶散一點都不重要。但在社群網絡時代的興起之後，有更多人對藝術品產生喜好與收藏意願，進而出現粉絲與追隨者的追蹤，對藝術工作者的期許與期待也更高，當然收藏家在藝術作品的收藏意願上也會有所影響，畢竟社群時代已經不像以前只有在展覽現場才能與藝術工作者互動，而是在社群媒體上能夠直接追蹤藝術工作者日常，或是直播對話、或是留言互動等方式。收藏家都能直接透過螢幕感受藝術工作者的反應，進而影響收藏意願。

藝術工作者在自我技術層次提升之餘，更要對自我形象不論實體世界的形象或虛擬世界的形象，在自我定位及設定上都要做好事前的規劃。

淺談東西方速寫風格的差異

「速寫」在台灣美術教學的領域中，一直以來都是把它放在「素描課」的其中一環，這堂課的訓練過程都是希望學生在戶外已十分短暫的時間內，完成眼前所看到的主題素描，但是這樣的訓練時間往往都只一、二堂課，實在很難讓學生練習到真正的強記核心。也因此通常不會被學生所認同。自從社群媒體的興盛帶起世界各城市一場速寫推廣運動，今年來以「速寫」為核心的主題課程或同好社團蓬勃興起，標榜簡單的工具、多樣化的表現方式、以及以短時間的現場繪畫等新的定義，逐漸取代以往水彩、油畫的「戶外寫生」美學活動與市場。也因為多元化不拘泥於特定媒材的繪畫方式，進而開展許多初學者躍躍欲試的嘗試心理，各式私人繪畫教室、社區大學、各級美術教育學校都紛紛開設相關教學課程，讓原本侷限在特定媒材、小眾領域的美術繪畫突破禁錮已久的框架，引起更多有興趣的民眾參與。

前面提到「速寫」是一種多元化、不限媒材的創作方式。換句話說，創作者可以在速寫的作品中置入各式各樣自我想表現的方法，可以繪畫、可以塗色（或局部塗色）、可以使用不同媒材（水彩、油畫、蠟筆、簽字筆....等）、可以加入文字、可以在作品上剪貼.......等等。只要作者想的到的表現方式都可以加入創作過程中。

但是在筆者近些年與國外速寫創作者到交流下，觀察到許多對東西方在速寫創作上的明顯差異，讓筆者簡述淺談，以下為筆者個人觀察：

一、亞洲速寫畫家的風格：範圍以亞洲東部為準，大概是日本、韓國、中國、台灣與東南亞諸國。亞洲東南亞這些多民族組成地區，除了泰國、印尼、菲律賓等國家外，其他如新加坡、馬來西亞畫家多以華人為主體的畫家圈為加入「速寫」活動的主幹，長期都是有「畫會」組織在其背後應援號招，或許長期有一套中華文化的藝術框架，畫作多是以單幅畫作為主，一張畫即一作品，在最後的呈現表現方式中也都將速寫畫作裱褙，以展覽的方式作發表。當然在畫作的象徵交換方面也是直接銷售原作為主要方式，輔以其他畫冊等印刷物為獲利方式。

亞洲速寫畫作在表現方式上較為中規中矩，多數以「水彩」為媒材的表現方式，也較長使用單張水彩紙來做為表現方式，在現場看到的創作過程有些十分接近水彩畫的「寫生」模式，出現畫架、水袋等戶外寫生設備，這樣的方式相較於在移動中也較為不便。畫家在創作的過程中，多數以畫的「寫實度」為評判優劣標準，較少出現隨意自在的方格，更遑論加入剪貼、文字、多複合媒材的使用較為可惜。以至於速寫畫作的豐富性過於單一。當然也有少數畫家引入如「枯枝筆」，並將「水墨構圖」概念引入速寫創作並著論教學，為少數異軍突起的亮點。

二、西方速寫畫家：由於筆者多與歐州、澳洲等地的西方畫家交流，故本文即以歐洲諸國為論述主軸。西方速寫畫家們的出身，除了本身即為藝術本科的畫家外，有許多本身就從事設計相關工作領域或教學為主，另外，筆者也碰過從事考古工作的畫家、以及從事潛水工作者；他們不以「寫實」為創作導向，反而以「實驗」、「玩」、「創意」為概念在做速寫創作，這些歐洲的速寫畫家們表現的方式多半以「書籍」的方式搭配簡單的工具做創作，有人甚至以二手書店內他人寫過的「舊明信片」為創作基礎，在其上作畫，是一種與「時間」共存的創作概念，也有人突破「空間」限制在海底下速寫魚群、在高山上創作，因為他們出發點以「實驗」與「玩」為主，所以也在作品中加入許多心情文字、紙幣票根、紀念章等物。也由於他們崇尚簡單工具，沒有畫架、畫板等傳統戶外寫生的累贅，進而創造更多突破「時間」與「空間」的速寫作品。

在畫作發表方面，歐洲速寫畫家由於創作方式以「速寫書」為核心，也因此在表現製作的形式上無法與亞洲畫家單張作品展出出售，也因此多半將畫作印製成印刷物，也就是「旅行書」的模式展現，也會將作品印成明信片、複製畫等物。較少看到以原作出售的方式做為銷售獲利的來源。

或許，也有人會說，「速寫」在本身藝術價值上就無法與傳統的水彩、油畫、水墨等相比擬，因此藏家在購買的意願上與收藏的價值上會多方思考，並且亞洲藏家比較傳統，都是站在「藝術價值」與「藏品未來」作為考量，「速寫」創作在主流藝術學校與普羅大眾的美學認同感上有其侷限性。其實這點筆者也是認同，但回到19世紀時期「印像派」當初也不過是「落選者的美展」，完全不被當時主流藝術學校或藝術家認可，熟知百年後卻成為美術史上不可抹滅的輝煌一頁。不論你認同西方自由、實驗的表現方式，或是比較喜歡東方中規中矩的畫作呈現，我相信「速寫」藝術在未來主流藝術教育上必有其不可忽視的地方。